Como el ideal del romanticismo era la individualidad de los sentimientos, cada compositor buscaba su propia forma de expresarlos musicalmente. Así mismo, se daba gran importancia a la originalidad y la creatividad personal; por lo tanto, los compositores románticos buscaban siempre superar a sus antecesores y romper las barreras barreras artísticas que se les imponían y cultivar su propio estilo.

Sin embargo, podemos hablar de un estilo romántico según las técnicas y los ideales que son comunes entre los compositores románticos, principalmente el desarrollo de la melodía , la expansión de los recursos tímbricos en la orquesta—la cual se expandió considerablemente durante el romanticismo—y la búsqueda de nuevas formas musicales como las miniaturas y las obras grandiosas. Por lo tanto, a diferencia del barroco y el clasicismo, el estilo romántico se caracteriza por una serie de objetivos comunes cuyos resultados sonoros varían de compositor a compositor.

El rubato  es la técnica más notable del romanticismo con respecto al ritmo. El rubato consiste en cierta flexibilidad rítmica con respecto al tempo o a la métrica, que permite que algunas notas se alarguen o se acorten, “robándole” el tiempo a las otras notas. Como es una técnica usada en la interpretación que no se puede escribir con precisión y que es en gran medida improvisada, el rubato se suele asociar con la expresión individual de los solistas, reemplazando la práctica de ornamentar las melodías del barroco y el clasicismo.

El rubato contribuye a que las melodías suenen más expresivas, llenas de emoción y dramatismo. Las melodías románticas, por ejemplo la introducción de la Obertura “Rosamunda” de Franz Schubert , se caracterizan por la forma en la que crecen y se elevan por medio de secuencias y variaciones melódicas hasta alcanzar un poderoso clímax como imitando las emociones del artista enamorado.

Entre los logros artísticos más reconocidos del romanticismo está la precisión de la música para imitar o expresar la interioridad humana. A través de formas como la sinfonía y el Lied, los compositores románticos abandonaron el contraste típico del barroco y del clasicismo, que ya sonaba demasiado artificial, reemplazándolo por formas más elaboradas de producir las sensaciones de conflicto, inestabilidad y éxtasis que caracterizan el espíritu romántico. 

Uno de los elementos técnicos que más contribuye en este aspecto es la armonía. Como hemos visto, la tonalidad se basa en producir tensión armónica a través de la  disonancia y de resolver esta tensión en acordes estables de tónica. Los compositores románticos asociaron este juego entre tensión y relajación, que antes era solamente un efecto musical, con emociones intensas como el deseo, el amor y el temor. 

Una técnica importante para este propósito es el cromatismo, que permite emplear todas las notas de la escala cromática y dirigir la tensión armónica en varias direcciones, puesto que cada acorde disonante puede resolver en muchos más acordes con efectos más o menos conclusivos. Así, los compositores podían mantener la tensión armónica durante más tiempo, aumentando o disminuyéndola de manera controlada y jugando con las expectativas del oyente. Quizás el ejemplo más famoso de este efecto es el preludio de la ópera Tristan e Isolda de Richard Wagner , en la que varios temas y leitmotivs se conectan entre si a través de acordes con disonancias  sin llegar a la tónica. Por medio de esta técnica, Wagner buscaba representar las emociones románticas del anhelo, el amor, y la desolación, según las experimentaba el compositor: como una inestabilidad infinita y sin satisfacción posible.