La música romántica se caracteriza por tener un lenguaje armónico muy elaborado que comenzó a desarrollarse desde finales del sigo 18. Como vimos, uno de los objetivos del romanticismo era explorar la interioridad humana y la complejidad de las emociones como el amor, el terror o el sentimiento religioso. Por lo tanto, los compositores aprendieron a usar la armonía  para transformar el carácter de la melodía .

A medida que la teoría de la música se convirtió en una disciplina académica, los músicos comenzaron a formular nuevas reglas y a experimentar con nuevos acordes y nuevas armonías. Así, se desarrolló el cromatismo , que consiste en expandir las posibilidades armónicas de la escala diatónica usando todas las notas de la escala cromática. 

El cromatismo se puede emplear para darle “color” a los acordes y también se puede usar para lograr modulaciones a tonalidades remotas, como en las obras de Franz Schubert  y las de Richard Wagner.

En sus composiciones, como el Preludio a Tristan e Isolda, Wagner llevó el juego de tensión y relajación de la música tonal hasta sus últimas consecuencias. Wagner empleó secuencias de acordes disonantes (en este caso acordes de séptima disminuida) que se transforman en otros acordes disonantes sin alcanzar nunca un punto de relajación, una tónica, o una modulación clara hacia una tonalidad diferente. El ejemplo más famoso de esta forma de controlar la tensión armónica es el acorde «Tristán,» (2a).

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De hecho, en todo el preludio no hay una sola cadencia  final: los acordes disonantes producen el sentimiento típicamente romántico del anhelo y el deseo imposible y que, al final de la obra alcanza su clímax en la muerte de los amantes. Durante el siglo 20 esta “disolución” de la tonalidad llevaría a los compositores modernistas como Arnold Schoenberg e Igor Stravinski a experimentar con la atonalidad y la politonalidad.